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Sebreli descubre el acceso a uno de los relatos más apasionados de la actualidad: la historia de los movimientos y las vanguardias artísticas del siglo XX. Su incursión no solo invita a transitar las distintas tendencias sino a pensar acerca de las conductas y los acontecimientos que las hicieron posibles. Entre el logro técnico y la impostura exhibicionista, entre la conformidad crítica y el prestigio clandestino, entre la operación solitaria y la megalomanía, Sebreli advierte los síntomas de malestar en la cultura, los matices de hastío de quienes determinan el valor de la obra de arte -museos, mecenas y otras instituciones- y los reclamos de orden y jerarquías que precipitan el relevo, las continuidades y rupturas. Con su agudeza acostumbrada, hace desfilar ante nuestros ojos diversas manifestaciones de acatamiento ante el totalitarismo estatal y la dictadura de mercado. Los puntos de vista del autor de «El asedio a la modernidad» y «El vacilar de las cosas» nos persuaden por su atrevimiento y su riqueza intelectual tanto cuando adopta una posición firmemente argumentativa como cuando sostiene hipótesis riesgosas. El estilo de Sebreli es ya una de las definiciones más certeras e imprevisibles de nuestra época.
El derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha suscitado un asombroso repertorio de respuestas artísticas y críticas. Los veinticinco ensayos que recoge Arte después de la modernidad proporcionan una perspectiva general de las direcciones más interesantes que han seguido el arte y la crítica recientes, al abordar temas como el declive de la ideología moderna en las artes o la emergencia de una amplia gama de prácticas artísticas posmodernas. las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía. las investigaciones de artistas pertenecientes al ámbito de las artes plásticas en torno a los medios de comunicación y el tipo de imágenes que emplean. o la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación es una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que animan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance que se ha dado en llamar posmodernidad.
La muestra presenta setenta obras realizadas desde finales del siglo XIX hasta la década de los años treinta, y pretende explorar el fenómeno del clasicismo moderno, centrándose en la creencia de que la géneseis del arte moderno está estrechamente ligada a posiciones teóricas o metodológicas de carácter formalista, ofreciendo un camino de modernidad alternativo respecto al vanguardismo, camino que consolida un estilo artístico propio del siglo XX y que incluye dos rasgos que lo aproximan al clasicismo: la ambición de que las obras de arte realizadas desde la nueva tradición moderna alcancen a tener un valor ejemplar, ahistórico o de larga duración, y la creencia en la estabilidad de ciertas formas o principios fundamentales de la pintura y la escultura.
Estudio que recoge el itinerario intelectual y la evolución artística de Gustave Eiffel a través del análisis de su obra, la cual asienta las bases de la ingeniería civil, y además, contribuye a consolidar el concepto de modernidad. Se incluye un epílogo sobre Eiffel en España
El autor comprende la evolución artística de la modernidad como un proceso continuo. Evita considerar el arte moderno como un fenómeno aislado; remitiéndolo en cada momento a sus condiciones socio-históricas y psicológicas. Dedica varios capítulos a la evolución política, científica y cultural de los siglos XIX y XX, mientras discute la estructura y el dinamismo psíquicos en los que se fundamenta el proceso creativo, exponiendo de forma clara y convincente los procesos. Resumen del índice: Prólogo a la edición española.- Introducción.- Tesis 1: los dos principios de la creación artística.- Tesis 2: el desarrollo cíclico de la evolución artística.- Tesis 3: las cuatro actitudes artísticas fundamentales.- El fin de la Edad Moderna.- La realidad de la pintura y el comienzo de la modernidad.- La realidad invisible y la estética de lo universal.- El nuevo paradigma: concepción del mundo y del hombre en la modernidad.- Crisis y renovación.- El levantamiento político contra la modernidad.- Triunfo y culminación.- La pérdida de la realidad: el fin de la modernidad.- Bibliografía.
Una de las características de la Modernidad es la aparición gradual de un arte autónomo. Con ello se quiere decir que el arte moderno perdió poco a poco el carácter utilitario y funcional que tenía durante los siglos anteriores, cuando era concebido como una artesanía al servicio de fines sociales, religiosos o políticos circunscritos y bien determinados. Al mismo tiempo e inevitablemente el artista dejó de ser considerado un criado, un vasallo al servicio de clientes y señores, para descubrirse libre, independiente y creador. Para intentar entender el nuevo sentido de la actividad artística y de sus productos cuando el viejo orden de encargos y servicios dejó de estar vigente surge la estética. Esta es la disciplina esencialmente moderna que pretende esclarecer el significado de un arte devenido autónomo y de un artista que ya no cumple una función social determinada, sino que crea desde su libre imaginación unos productos que exigen una palabra capaz de descifrar su nuevo estatuto. De esta manera, estética, arte autónomo y artista libre constituyen una triada esencial del paisaje de la Modernidad. Este libro pretende esclarecer algunas de sus relaciones y de los procesos que facilitaron su advenimiento.
En esta segunda aproximación a los saberes artísticos de la modernidad, Manuel Lavaniegos reflexiona sobre el surgimiento del arte denominado "abstracto" o "no figurativo", que emerge a comienzos del siglo xx, tomando como objeto de análisis la pintura y los escritos artísticos de Wassily Kandinsky (1866-1944), uno de los pioneros fundamentales en la creación abstraccionista como cauce clave en la transformación de la sensibilidad y el pensamiento contemporáneos. La relevancia que poseen las pinturas e ideas de Kandinsky, con su vocación antirrealista, no mimética, no son tratados en general sino circunscritos al análisis específico de cinco famosos cuadros, empezando por la controvertida Primera acuarela abstracta, fechada en 1910. La perspectiva hermenéu-tico/simbólica puesta en juego por el autor parte e intenta mostrar que "la abstracción en el arte es más complicada que la utilizada por la ciencia" (Sigfried Giedion).
En esta primera aproximación a los saberes artísticos de la modernidad, Carmen Pardo analiza las metamorfosis experimentadas por la sensibilidad contemporánea a raíz del nacimiento de las formas de reproductibilidad técnica de la fotografía y el fonógrafo; desde sus inicios hasta la fecha, las implicaciones estéticas y éticas de tales fenómenos sobre el sensorium individual y social continúan vigentes, con plena virulencia, como lo muestran las instalaciones y videos de Christian Marclay. Por, su parte, Jorge Juanes examina, con hondura, la obra pictórica de Paul Klee, sin duda un pionero fundamental de las vanguardias artísticas modernas -al lado de Kandinsky y Malévich-; nos lo muestra como un maestro micrológico de los formatos pequeños, un genio en la movilidad diseñadora de la línea y en los usos rítmicos y las escalas del color, como el creador de singulares universos plástico/poéticos, abiertos a hacia la máxima potencia libertaria en la génesis de las formas.