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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI. La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro. El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación…, analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain…). Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
El arte contemporáneo goza de actualidad. Apenas hay ciudad que no tenga un centro dedicado a él. Existen multitud de cátedras y proyectos de investigación destinados a estudiarlo. Pero ¿qué significa exactamente el concepto de arte contemporáneo y a qué contemporaneidad hace referencia? Con este libro, Juliane Rebentisch se propone introducir, desde una teoría del arte entendida como proyecto crítico, un debate aún en curso sobre cuestiones que son fundamentales tanto a nivel teórico-artístico como estético. Sirviéndose de herramientas teóricas que provienen de la filosofía, de las disciplinas particulares de la ciencia del arte, de la crítica, de los curadores y de los artistas, su objetivo es contribuir al desarrollo de un concepto normativo del arte contemporáneo.
¿Qué subyace al poder seductor del arte? En esta obra Alfred Gell propone una teoría que se aparta radicalmente de las interpretaciones anteriores. Critica que las teorías estéticas adopten una posición demasiado pasiva con res-pecto de los objetos y, en cambio, hace hincapié en el arte como forma de acción instrumental, concibiendo la elaboración de las cosas como medio de influir en los pensamientos y actos de los demás. Los objetos de arte son la materialización de intenciones complejas y sirven de medio para transmitir la agencia social. La conceptualización de Gell conduce a la fusión de los objetos de arte con las personas. El autor también analiza, entre otros temas, la psicología de los patrones y la percepción; el arte y la personalidad; el arte en relación con las prácticas religiosas como la posesión espiritual, la idolatría y la misa católica; y el significado del arte para el artista, el visitante de galerías y el adorador de ídolos. El detallado razonamiento de Gell -enriquecido por las diversas ilustraciones que lo acompañan, así como por un análisis del arte europeo y «etnográfico»- toca ámbitos relacionados con la filosofía, la psicología y la lingüística. El autor completó la versión inglesa de poco antes de su fallecimiento a los 51 años. Esta obra encarna la brillantez de su intelecto, el vivaz ingenio, el vigor y la erudición por los que era tan admirado, y conforma el testimonio duradero de que estuvimos ante uno de los antropólogos con mayor talento de su generación.
El autor defiende la necesaria vigencia de unas ciencias del arte en cuanto Ciencias Histórico-Morfológicas de las diversas técnicas artísticas; evalúa el peso del factor semiótico como unificador de los distintos lenguajes artísticos; establece las relaciones filosóficas entre el mundo del arte y el de la ciencia; y se abre al compromiso racionalista con la interpretación hermenéutica, tanto del arte como de la ciencia.
El presente libro contiene una revisión general de los estudios y teorías en Socilogía de la Cultura. Planteando un debate sobre las aproximaciones sociológicas, históricas, literarias y de género (ahondando en la temática femenina) realiza una aproximación original al estudio concreto de la obra de arte, incidiendo en cuestiones centrales como la del papel de la lectura-visión, la naturaleza del concepto de y la posibilidad de una política cultural.
Nueva traducción completa de la teoría estética de Adorno, expuesta en relación/confrontación con otras filosofías clásicas, como la kantiana o la hegeliana, así como con la teoría cultural, la filosofía de la historia, la cultura social, etcétera.
La presenta obra ha surgido de las experiencias de arte popular realizadas in América Latina en los últimos años. Se presenta en ella un panorama de las obras y del pensamiento de los artistas que están combiando la función social del arte al extenderlo a públicos nuevos. Pero además de sistematizar estas experiencias y reflexiones, el autor ha repensado sus fundamentos estéticos en relación con las transformaciones sociales. El punto de partida de esta investigación es la incapacidad de las categorías estéticas producidas por la filosofia de los últimos siglos para explicar los cambios y la necesidad de establecer un nuevo marco teórico, apoyado en las ciencias sociales.
George Dickie ha sido un referente obligado en el mundo de la cultura desde que en 1969 publicó su artículo “Defining Art”, en el que consideraba el arte como una actividad que sólo podía entenderse en el marco de prácticas institucionales. A su nombre se asocia la “teoría institucional”, que sitúa la clasificación de los objetos como obras artísticas en el conjunto de prácticas institucionales y sociales de lo que él llama el mundo del arte, más que en rasgos ontológicos o en elementos de la experiencia humana. Una obra es obra de arte a causa de su posición en un contexto institucional. En El círculo del arte, Dickie revisa las anteriores versiones de la teoría institucional, saliendo al paso de las críticas que se han hecho a las mismas, y expone una teoría clasificatoria que no trata de explicar por qué asignamos valor a determinadas obras de arte, sino que se limita a enunciar las propiedades suficientes para su caracterización: la artefactualidad y la posibilidad de presentación a un público perteneciente a ese medio, así como los roles de cada una de las personas que forman parte de ese mundo. La teoría institucional, pues, marca una aguda ruptura con la teorización tradicional del arte.
The fifth supplement to Arthur E. Gropp's A Bibliography of Latin American Bibliographies (1968), covering bibliographies published 1985-89, and those published earlier but not noted in previous supplements. For the first time, includes Caribbean bibliographies. The 1,867 citations are unannotated. Annotation copyright by Book News, Inc., Portland, OR