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La creación dramática es un proceso de gestación, desarrollo y resultado de una propuesta escénica plasmada en un texto de trabajo. La finalidad de la obra escrita es su puesta en escena, la cual se fusionará con el proceso de creación escénica para, finalmente, exponerse en un escenario frente a un público. En este sentido, la creación dramática no puede ceñirse a los cánones establecidos por algunos estudiosos de la literatura. Si bien sabemos que es posible disfrutar la lectura de una obra de teatro, por otro lado, estamos conscientes de que se trata de un material cuyo propósito es llevarlo a la escena, dando como resultado una obra de arte dramático.En este sentido es necesaria una nueva aproximación al texto dramático en virtud de la creación escénica de nuestro tiempo. El arte escénico de nuestros días, demanda de un trabajo artístico capaz de entender las características artísticas del siglo XXI. Tiempo y espacio han transformado su relación por medio del movimiento, modificando así, la percepción humana y afectando a las artes escénicas. Los medios electrónicos de comunicación masiva, incluyendo a las redes sociales y el internet, así como las nuevas tecnologías en la cinematografía, el video, el audio o la multimedia en general se presentan como un paradigma que facilita el desplazamiento cibernético en el tiempo y el espacio.En un solo click se puede navegar e interactuar, expresar y recibir; diseñar, ilustrar, modificar, transformar. Sin embargo, el tiempo y el espacio cibernético no garantizan su contenido. La tecnología es solamente la herramienta, y le corresponde al artista utilizarla de manera sensible y trascendente.Es importante señalar que las propuestas de arte escénico contemporáneo integran en su expresión artística, no solamente los diálogos de los personajes, sino también otras formas expresivas como el movimiento corporal, el manejo de elementos simbólicos en escena, efectos especiales de audio, o elementos de multimedia, entre otros. Lo que modifica de manera innovadora el formato típico de actos, escenas y/o cuadros. En este estudio proponemos un formato por secuencias, aspecto que trataremos poco más adelante.En el caso del artista dedicado a la coreografía, identificamos la necesidad de trabajar el proceso de creación dramática para fortalecer su propuesta. A diferencia de un texto dramático, en el que los personajes se expresan principalmente por el lenguaje hablado, el o la coreógrafa, desarrollará un texto que le servirá para fortalecer la creación de su puesta en escena. Actualmente, muchas son las expresiones dancísticas en las que se integra la palabra hablada como parte del espectáculo. Descubrirá durante este proceso de creación dramática la manera de integrar todos los elementos que participarán en la obra dancística como son: iluminación, musicalización, efectos especiales de audio, multimedia, entre otros.Por otro lado, con la finalidad de hacer interactivo este libro, se han añadido ejercicios a realizarse en línea (en internet), lo que ofrece una modalidad de trabajo actual y la oportunidad de recibir retroalimentación directamente del autor, al enviar algunos de los trabajos elaborados. Para tener acceso a el área Premium, favor de enviar un correo a: [email protected] solicitando la información.Así pues, este libro pretende abrir un espacio para el aprendizaje, práctica y experimentación del proceso de creación dramática, identificando los elementos fundamentales de la dramaturgia contemporánea, estimulando la creatividad y la generación de textos dramáticos adecuados a la escena actual.
El término Dramaturgia tiene ya carta de naturaleza en los estudios y en la práctica teatral contemporánea. Aunque a menudo se utiliza como sinónimo de adaptación de un texto para la representación, su sentido es más amplio, y engloba toda la serie de decisiones y trabajos previos a la puesta en escena. A esta práctica responde en gran medida este Manual. Sin embargo, la tradición europea ha tendido siempre a primar el texto como la base de todo arte dramático, lo que ha generado una riquísima literatura crítica acerca de cómo se escriben las obras teatrales, cuáles son los criterios por los que una obra se puede considerar digna de estimación, cuáles son sus elementos fundamentales, qué géneros engloba la poesía dramática, etc. Esta tradición de poéticas que han guiado la discusión sobre el arte dramático y han orientado a los escritores al componer sus obras para la escena no ha perdido su vigencia, por más que hoy en día no consideremos el texto como la única base del hecho teatral. Una parte importante del trabajo dramatúrgico sigue siendo la del análisis de los textos dramáticos, y en el Manual de Dramaturgia se le ha dado la debida importancia si bien los autores han procurado no quedarse en los estrechos límites de la poética clásica, que tan a menudo se ven repetidos en manuales y obras de divulgación, y han ampliado el campo de lo dramático a géneros tradicionalmente despreciados, como el teatro breve, la danza contemporánea, el teatro de objetos o el teatro musical, así como a las nuevas formas que se han introducido en la dramaturgia contemporánea y al teatro oriental, depositario de una riquísima tradición demasiadas veces olvidada en los estudios sobre teatro.
Latin American culture has given birth to numerous dramatic works, though it has often been difficult to locate information about these plays and playwrights. This volume traces the history of Latin American theater, including the Nuyorican and Chicano theaters of the United States, and surveys its history from the pre-Columbian period to the present. Sections cover individual Latin American countries. Each section features alphabetically arranged entries for playwrights, independent theaters, and cultural movements. The volume begins with an overview of the development of theater in Latin America. Each of the country sections begins with an introductory survey and concludes with copious bibliographical information. The entries for playwrights provide factual information about the dramatist's life and works and place the author within the larger context of international literature. Each entry closes with a list of works by and about the playwright. A selected, general bibliography appears at the end of the volume.
This resource compiles and locates biographical and bibliographical information of over 700 prominent Latin American dramatists of the late 20th century and their plays in 20 different countries, and it lists over 7,000 plays arranged by country and by author. Author biographies consist of year and place of birth, education, careers, other literary genres, and awards and prizes. The bibliographic listings include various editions of plays, followed by references to the plays in anthologies, collections, or periodicals. Latin American theater is rooted in the rich historical traditions of both the indigenous cultures of the region and those of Spain. In the second half of the 20th century, immigration to Latin America from Europe, the Middle East, Africa, and Asia also proved influential, and theater became a means of social protest. The military and political dictatorships of the late 20th century often censored plays and persecuted playwrights. This resource compiles and locates biographical and bibliographical information about over 700 prominent Latin American dramatists and their plays in 20 different countries, and it lists over 7,000 plays arranged by country and by author. Author biographies consist of year and place of birth, education, careers, other literary genres, and awards and prizes. The bibliographic listings include various editions of plays, followed by references to the plays in anthologies, collections, or periodicals.
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While a feminine perspective has become more common on Latin American stages since the late 1960s, few of the women dramatists who have contributed to this new viewpoint have received scholarly attention. Latin American Women On/In Stages examines twenty-four plays written by women living in Argentina, Brazil, Chile, Costa Rica, Mexico, Puerto Rico, and Venezuela. While all of the plays critique the restraints placed on being female, several also offer alternatives that emphasize a broader and healthier range of options. Margo Milleret, using an innovative comparative and thematic approach, highlights similarities in the techiques and formats employed by female playwrights as they challenged both theatrical and social conventions. She argues that these representations of women's lives are important for their creativity and their insights into both the personal and public worlds of Latin America.