Download Free La Obra De Arte En El Siglo Xxi Book in PDF and EPUB Free Download. You can read online La Obra De Arte En El Siglo Xxi and write the review.

El concepto de obra de arte ha cambiado totalmente a lo largo del siglo XX y el siglo XXI. Lo que antes se asociaba a la belleza ha sido sustituido por una serie de ideas que, en muchos casos, se acercan a lo conceptual y requieren la participación del espectador como sujeto activo frente a la obra. El cambio de soporte o la eliminación de los soportes tradicionales, las características de una obra de arte contemporáneo, la presencia del neobarroco en la estética de muchos trabajos, la posibilidad de realizar obras figurativas o abstractas, la importancia de las ideas del situacionismo para el artista, las acciones artísticas más polémicas o la presencia de artista fuera del sistema del arte, son algunos de los temas que se desarrollan en este ensayo. Si cada persona puede con ello conocer un poco mejor y extraer sus propias conclusiones acerca de cómo definir el arte en la actualidad, habremos cumplido nuestro objetivo.
Esta guía intenta dibujar los itinerarios más transitados en el arte de los últimos veinte años. En cada uno de los seis capítulos que forman el cuerpo central del libro se analiza la obra de los artistas más cercanos a los acontecimientos de la actualidad, las corrientes basadas en el archivo y el documento, la revitalización de la performance bajo nuevos protocolos, la pervivencia del vocabulario minimalista, las prácticas de post-producción con objetos y ready mades, y las operaciones de arte basadas en la tradición moderna del arte. A modo de epílogo sobre el sistema del arte en la actualidad, se analizan el papel d elos museos y galerías, ferias y bienales, las fuerzas de la globalización y la identidad local, así como el papel del mercado o el comisariado de exposiciones.
Aquí se reúnen cuatro décadas del trabajo intelectual de Ida Rodríguez Prampolini; textos antes dispersos en diferentes publicaciones o que incluso nunca habían visto la luz pública. El trabajo de la autora, presentado cronológicamente, permite seguir hechos históricos, vinculados en numerosas ocasiones a las prácticas artísticas. La obra se acopmpaña de cuatro ensayos preliminares a cargo de Rita Eder, Jennifer Josten, James Oles y Cristóbal Andrés Jácome.
Un total de 18 especialistas de distintas universidades presentan sus aportaciones sobre el arte latinoamericano del pasado siglo. El libro nace con la pretensión de ofrecer una nueva Historia del arte latinoamericano contemporáneo. No tiene carácter sintético y general, sino que ofrece distintas aproximaciones sobre temas especÃ-ficos y con intención básicamente interpretativa. Se trata de contar pequeñas historias, disÃ-miles, a menudo marginadas de la Historia del Arte. Obra profusamente ilustrada.
V. I. : El fauvismo; El expresionismo alemán; El cubismo; El futurismo; El movimineto dadá; Malévich y el suprematismo; El constructivismo; El neoplasticismo; La Bauhaus; El surrealismo; Escultura de vanguardia; Movimiento moderno en la arquitectura.- V. II. : El expresionismo abstracto americano; Informalismos europeos; Neodadaismo neoyorquino; El arte Pop; El hiperrealismo; El nuevo realismo francés; Op Art; La abstracción postpictórica; Minimal art; Nuevos comportamientos artísticos, el arte como acción; El arte como idea. Arte conceptual; Land art. Arte de la tierra; El arte povera; La escultura postminimal; La pintura de la postmodernidad; Nuevos presupuestos para la arquitectura.
Recopilación de textos escogidos por Guilbaut que reflejan su percepción de las transformaciones del arte contemporáneo.
Prácticas de resistencia en el arte del siglo XXI. Un artista es incapaz de producir nada si no hay un viento que hinche sus velas. Y ese viento tiene que ser precisamente el que sopla en ese momento, no el viento del futuro. ¿Una frase de Bertolt Brecht en el comienzo de un recorrido por el presente más candente del arte? Es que no puede ecualizar mejor esa idea lo que Elena Oliveras propone en su nuevo libro, trabajo que no en vano dedica "a todos los artistas que luchan por hacer del mundo un lugar más justo". La autora de La metáfora en el arte profundiza sus búsquedas, enfocando la problemática estética desde una perspectiva más específica y urgente: la que considera la posibilidad de construir un mundo mejor, sanando las heridas que surgen de una precaria valoración de la vida con la creación de conciencia a través de la acción artística. En Distopías y microutopías Oliveras repasa una agenda al rojo vivo, sacando de la matrioshka del arte político aquellas cuestiones que hoy son centrales: el consumo desenfrenado, el negacionismo climático, una violencia de rasgos holísticos, la sociedad de las pantallas y el insólito reto que nos propone la sencilla idea de vivir juntos. Como bien nos dice la autora: "Las prácticas artísticas de resistencia, al mostrar zonas críticas del mundo de hoy, que nos duelen, no quedan en el mero registro sino que también se dirigen al futuro, dada la tendencia natural del ser humano a la felicidad. Estimulan esa directriz que cada individuo guarda en su interior y la convierten en aspiración trascendente que vale la pena practicar".
¿Cuál es la relación entre arte y trabajo? ¿De qué viven los artistas? ¿Hasta qué punto están en tensión el mundo de la experimentación y la búsqueda estéticas y el mundo profesional, donde hay circuitos establecidos y reglas que seguir? En un contexto de creciente ordenamiento y reglamentación de las relaciones entre artistas, curadores, críticos, museos, compradores y vendedores, el debate sobre profesionalismo-amateurismo se ha vuelto cada vez más relevante. Y este libro se ocupa de trazar y pensar las coordenadas básicas del dilema. ¿Es el arte un misterio (algo en definitiva indescifrable, imposible de reducir a un sentido o una finalidad) o un ministerio (una práctica social susceptible de ser organizada y mejorada)? En torno a esta pregunta reflexionan los más destacados intelectuales y especialistas ligados a la escena artística contemporánea y provenientes de distintos contextos geográficos y disciplinas. Con registros variados –desde el relato de la experiencia personal hasta la especulación filosófica y teórica– y de una riqueza conceptual y expresiva que no rehúye la discusión, los autores analizan las búsquedas y los límites del arte en cuanto misterio, su relación con el Estado y con las nuevas formas del mercado. Se detienen en la trayectoria de artistas y curadores que proponen nuevos modelos de intervención y provocación política. E indagan en el vínculo del arte con la publicidad, los nuevos medios, las contraculturas y otras artes. Desde distintas perspectivas, ¿Es el arte un misterio o un ministerio? constituye un aporte fundamental en un momento decisivo y paradójico, en el que gana protagonismo la idea del arte como campo profesional, mientras que el lema de la creatividad se afirma en las industrias culturales y los negocios.