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Danto responde a la pregunta "¿Cuándo se produce el arte?" proponiendo la metáfora del lugar común y su paradógica aplicación al arte: "¿por qué los objetos más banales quedan transfigurados al ser convertidos en obras de arte? ; ¿en qué se diferencian a pesar de ser materialmente indiscernibles? ; ¿qué estrategia utiliza el arte de hoy para lograr estos fines?" Para responder a estas cuestiones, el autor relativiza el juicio subjetivo del gusto y nos invita a participar en los juegos de lenguaje y los ámbitos institucionales propios del arte moderno.
Esta obra es tanto un manual destinado al uso académico, como un ensayo libre de carácter divulgativo, apto para todo lector culto que se interese en el tema. Escrito en un lenguaje a la vez riguroso y claro, su objeto es dar respuesta a estas dos grandes interrogantes: qué es la belleza en sus múltiples formas, y qué es la obra de arte, sea literaria, plástica o musical.
Danto propone una definición de la obra de arte como "símbolo encarnado" que pretende dar cuenta del carácter unitario de la historia del arte desde sus comienzos hasta nuestros días, evitando considerar el argumento vanguardista clásico, de carácter estético y formal, como el único capaz de dar sentido a la producción artística. Según Danto, nos encontramos en una época posthistórica, resultado de la evolución del arte hasta su autoconocimiento como actividad conceptual, más allá del modo formal o estético de representación, donde habría estado encastillado por las teorías filosóficas hasta el momento. Esta compilación de artículos aborda la crítica de Danto a lo estético como definitorio de lo artístico, central en su concepción global del arte, de su producción, interpretación y crítica, y de su carácter histórico y su relevancia para la vida humana. Diversos autores, Danto entre ellos, se aprestan a buscar un nuevo lugar para lo estético en nuestra comprensión de lo artístico, una formulación diferente de conceptos que siguen siendo valiosos, como estilo, procedimiento, crítica o experiencia, y una aproximación diferente a la relación entre arte y naturaleza o arte e historia.
“El gran arte tiene unas maneras espantosas...” observa Simon Schama al comienzo de su magistral exploración sobre los momentos clave de la historia del arte. Un respetuoso paseo por un museo puede llevarnos a creer erróneamente que las obras maestras son piezas amables, objetos que nos sosiegan y seducen. Pero en realidad son otra cosa: las más grandes pinturas nos aprisionan, desmontan nuestros esquemas y luego reorganizan nuestro sentido de la realidad. Con esa misma fuerza, El poder del arte nos aleja de la comodidad del museo para ver esas obras bajo una nueva luz: Schama aborda los puntos de inflexiónn en las vidas de ocho artistas que, en situaciones extremas, crearon obras sin precedentes, alterando para siempre el curso de la historia del arte. Cada uno de estos héroes –Caravaggio, Bernini, Rembrandt, David, Turner, Van Gogh, Picasso y Rothko- afrontó a la crisis de diferente manera, pero siempre con el pulso firme. Las obras maestras que crearon desafiaron las convenciones, destrozaron la autocomplacencia, invirtieron las conciencias y cambiaron nuestro modo de ver el mundo. Con un estilo narrativo poderosamente vivo, Schama explora las personalidades de los artistas y el espíritu de los tiempos en los que vivieron, capturando el extravagante teatro de la vida burguesa en Amsterdam, la pasión y la paranoia del París revolucionario o la carnicería y el patetismo en la España de la guerra civil. Ocho artistas Ocho historias clave en la historia del arte CARAVAGGIO CUANDO LA PINTURA SE MATERIALIZA BERNINI EL HACEDOR DE MILAGROS REMBRANDT LA CRUDA REALIDAD EN LOS SALONES DE LA CLASE ACAUDALADA DAVID EL AERÓGRAFO DE LA REVOLUCIÓN TURNER LA TORMENTA EN EL LIENZO VAN GOGH LA PLASMACIÓN DESDE EL INTERIOR DE LA MENTE PICASSO EL ARTE CONTEMPORÁNEO CONVERTIDO EN POLÍTICA ROTHKO LA MÚSICA DEL MÁS ALLÁ EN LA CIUDAD DEL RESPLANDOR
El lugar de la obra de arte, la posibilidad de reconocerla o discernirla, de distinguirla, de asumir su singularidad, de acompañarla hasta donde ella ha llegado o podido llegar, depende del fundamento/filamento desde cuyo régimen y en cuya neblinosa o prístina atmósfera aparezca. En la edad Arcaica está profundamente enterrada o integrada en el mito, y en la edad Moderna cuesta cada vez más trabajo separarla de la técnica.
Hace un siglo, la belleza era considerada de forma unánime como meta suprema del arte y hasta como sinónimo de excelencia artística. Hoy, en cambio, algunos la contemplan como algo parecido a un delito estético. En nuestros días, determinada crítica increpa a los artistas cuando sus obras parecen aspirar a la belleza. En los últimos años, sin embargo, algunos artistas, críticos y comisarios de exposiciones han empezado a contemplar la belleza de distinta manera. A menudo el debate resulta confuso: en ocasiones los especialistas ven la belleza como una traición frente al verdadero rol del artista, mientras que en otras se esfuerzan por encontrar belleza en lo aparentemente grotesco o repulsivo. El gran crítico de arte y filósofo Arthur Danto explica en este libro cómo se gestó la revolución contra la belleza y cómo fue derrocada por la vanguardia moderna. Danto sostiene que los modernos tenían razón al negar que la belleza fuera consustancial al arte; al mismo tiempo, sin embargo, la belleza es esencial para la vida humana y no siempre debe ser desterrada del arte.
El autor intenta responder un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte. Junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.