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La presente tesis desarrolla las intuiciones sobre la naturaleza de la obra de arte que me han surgido de mi experiencia de treinta años dedicados a investigar dentro del mundo de la pintura. He constatado sucesivas veces, que el valor artístico de la obra que creo es independiente de mi intencionalidad para conseguirlo. Mis obras con mayor entidad significativa han sido aquellas que han surgido sin control racional, cuando intento controlarlas racionalmente, se enfrían hasta perder la magia que contenían. Esto me lleva a considerar que la obra de arte transciende la razón del artista y del desarrollo de esta idea concluyo que también transciende sus sentimientos (la obra de arte transciende el ego del artista) Y si la obra transciende el ego del artista que la crea, debe ser apreciada transcendiendo igualmente el ego del espectador. Lo cual me lleva a enfocar el trabajo en torno a las dos preguntas eternas que surgen sobre la obra de arte: ¿existe la obra de arte objetiva, indiscutible, independiente del gusto del espectador? y ¿puede surgir una obra de arte objetiva a partir de la subjetividad de un artista?...
Nueva traducción completa de la teoría estética de Adorno, expuesta en relación/confrontación con otras filosofías clásicas, como la kantiana o la hegeliana, así como con la teoría cultural, la filosofía de la historia, la cultura social, etcétera.
Propuesta hermeneútica enfocada a las obras de arte y específicamente a la pintura. Tomando como punto de partida la obra de Panofsky, el modelo del autor se sustenta en el análisis formal de la obra de arte abordando los problemas de la representación, la lógica imaginaria que rige la producción de imágenes de cada época, cultura y artista, así como, el problema del estilo desde una perspectiva conceptual e histórica.
Aspirando a ofrecer un balance de los años 60 y sus estribaciones en la década siguiente, esta obra ahonda en la poética de cada tendencia y logra sintonizar nuestra peculiar situación cultural, artística y política con el panorama artístico internacional. Entre la información positivista y la obsesión fenomenológica por retornar a las obras mismas, Marchán Fiz rebasa todo sociologismo como realismo social, lo que transluce las preocupaciones metodológicas del momento y los estímulos estéticos en sus análisis sobre las figuras de lo moderno y en su preocupación por los lenguajes artísticos. El texto que se convertiría en legitimador de lo “nuevo” y, es ahora, un ensayo clásico sobre el periodo abordado, presenta un epílogo sobre la sensibilidad “postmoderna” junto a numerosas reproducciones y una antología de textos, que permiten contrastar las numerosas oscilaciones experimentadas por el gusto.
El arte contemporáneo goza de actualidad. Apenas hay ciudad que no tenga un centro dedicado a él. Existen multitud de cátedras y proyectos de investigación destinados a estudiarlo. Pero ¿qué significa exactamente el concepto de arte contemporáneo y a qué contemporaneidad hace referencia? Con este libro, Juliane Rebentisch se propone introducir, desde una teoría del arte entendida como proyecto crítico, un debate aún en curso sobre cuestiones que son fundamentales tanto a nivel teórico-artístico como estético. Sirviéndose de herramientas teóricas que provienen de la filosofía, de las disciplinas particulares de la ciencia del arte, de la crítica, de los curadores y de los artistas, su objetivo es contribuir al desarrollo de un concepto normativo del arte contemporáneo.
Desde hace una veintena de años, las artes de vanguardia se han visto marcadas por dos problemas, simultáneamente sociales y estéticos: el entorno y la participación del espectador. En todas partes se ha desarrollado así un nuevo arte, hoy suficientemente consolidado como para constituir el objetivo de una obra de conjunto. En la primera parte, los análisis de Frank Popper, iluminan la nueva función del artista en las sociedades actuales. En la segunda parte, consagrada a la creatividad en la actualidad, se estudia más profundamente la intervención del espectador en el proceso estético, y la aplicación de técnicas y métodos como la cibernética y la electrónica junto con los fundamentos científicos del arte, los problemas estéticos y tecnológicos que presenta la reproducción industrial del objeto artístico. Por tanto esta obra redefine las relaciones entre el artista, el teórico y el espectador, en aras de la aparición y formación de un nuevo pensamiento estético contemporáneo.
El concepto de obra de arte ha cambiado totalmente a lo largo del siglo XX y el siglo XXI. Lo que antes se asociaba a la belleza ha sido sustituido por una serie de ideas que, en muchos casos, se acercan a lo conceptual y requieren la participación del espectador como sujeto activo frente a la obra. El cambio de soporte o la eliminación de los soportes tradicionales, las características de una obra de arte contemporáneo, la presencia del neobarroco en la estética de muchos trabajos, la posibilidad de realizar obras figurativas o abstractas, la importancia de las ideas del situacionismo para el artista, las acciones artísticas más polémicas o la presencia de artista fuera del sistema del arte, son algunos de los temas que se desarrollan en este ensayo. Si cada persona puede con ello conocer un poco mejor y extraer sus propias conclusiones acerca de cómo definir el arte en la actualidad, habremos cumplido nuestro objetivo.